Histoire du luminaire design : un siècle de lumière, du Bauhaus aux seventies

Avant le design : de la flamme à l'ampoule

La bougie, la lampe à huile puis le bec de gaz ont éclairé les intérieurs pendant des siècles sans jamais devenir des objets qu'on choisit pour leur dessin. La lumière coûtait trop cher, et demandait trop d'attention, pour qu'on s'attarde sur son enveloppe.

Tout bascule à la fin du XIXᵉ siècle, quand l'ampoule à incandescence rend la lumière électrique domestique. Elle est propre, elle ne vacille plus, elle attend qu'on l'allume. Pour la première fois, on peut placer une source lumineuse n'importe où, et donc lui inventer une forme. Le luminaire moderne, comme objet de design, allait naître de cette liberté toute neuve.

Le Bauhaus : la lampe devient géométrie

L'école du Bauhaus, fondée en 1919 à Weimar, pose la première règle : un objet doit dire ce qu'il fait, sans ornement inutile. « La forme suit la fonction » y devient un credo. Appliqué à la lampe, le principe donne des formes pures, presque abstraites.

Le manifeste tient dans une seule pièce : la lampe de table dessinée en 1923-1924 par Wilhelm Wagenfeld et Carl Jakob Jucker dans l'atelier métal de l'école. Une base ronde, un fût cylindrique, un dôme sphérique : le maximum de simplicité pour le minimum de matière. On ne l'a jamais vraiment dépassée, et c'est encore l'archétype de la lampe.

C'est cet héritage graphique que prolonge, dans notre collection, la suspension Strata : une géométrie franche qui assume la ligne droite et laisse la lumière se dessiner. Pour comprendre l'école qui a tout déclenché, lisez notre Bauhaus expliqué : quand la lampe devient géométrie.

Le Danemark : une lumière qu'on ne voit jamais de face

Pendant que l'Allemagne cherchait la forme juste, le Danemark cherchait la lumière juste. Dans un pays où l'hiver dure et où le soir tombe tôt, la question n'est pas décorative : comment éclairer sans jamais agresser l'œil ?

La réponse est signée Poul Henningsen (1894-1967). Dès 1925, il met au point un système à trois abat-jour superposés qui répartit la lumière vers le bas sans jamais laisser voir l'ampoule nue, et il remporte la même année une médaille d'or à l'Exposition des arts décoratifs de Paris. Ce principe culmine en 1958 avec la PH5, éditée par Louis Poulsen : une suspension calculée pour ne jamais éblouir, quelle que soit l'ampoule qu'on y visse.

Cette école de la douceur ne s'est jamais éteinte. La génération suivante, avec le Flowerpot de Verner Panton en 1968, y ajoutera la couleur. C'est le même esprit feutré que sculpte notre suspension Tivoli, dont les étages de métal laqué dirigent le faisceau vers la table sans jamais blesser le regard. À suivre dans notre article sur la suspension style scandinave, leçon danoise des années 60.

L'Italie : la lumière devient sculpture

Dans l'Italie de l'après-guerre, le luminaire prend une troisième direction : il devient un objet à regarder, éteint autant qu'allumé. Là où le Bauhaus visait la fonction et le Danemark la douceur, l'Italie vise le geste, l'esprit, parfois l'humour.

Les maisons qui l'incarnent sont devenues des noms de légende. Gino Sarfatti fonde Arteluce dès 1939 et signe des pièces d'une audace inouïe, comme son lustre 2097, où le seul ornement est le câblage lui-même. En 1962, Flos voit le jour, et avec elle les frères Achille et Pier Giacomo Castiglioni : la même année, ils dessinent l'Arco, ce lampadaire arqué né de l'observation d'un réverbère, et la Taccia, une lampe à poser née de l'idée d'un plafonnier retourné. Chez Artemide, fondée en 1960, Vico Magistretti imagine l'Eclisse (1965, Compasso d'Oro 1967), dont la coque intérieure tourne pour « éclipser » la lumière.

Cette veine italienne, où le verre soufflé de Murano rencontre le dessin moderne, court dans tout notre travail. On la raconte en détail dans le design italien d'après-guerre et dans la petite histoire du dôme opalin.

Les seventies : le retour de la chaleur

Après trois décennies de rigueur et de blanc, les années 1970 rallument le feu. La lumière se réchauffe : verre ambré, verre fumé, chrome brillant, formes organiques et rondes. La couleur, portée par l'énergie du Flower Power, envahit le luminaire.

Ce n'est pas un hasard si cette décennie reste la plus chaleureuse de toutes : c'est le moment où la lampe cesse d'éclairer une pièce pour créer une ambiance. Une lumière dorée, basse, enveloppante : exactement celle que recherchent aujourd'hui nos lampes Caldera et Aurora, avec leur verre ambré et leur faible hauteur de lumière. On y consacre tout un article : les seventies, le retour de la lumière ambrée.

Une belle lampe n'éclaire pas une pièce : elle la réunit.

Un héritage, pas une copie

Ces pièces mythiques (la PH5, l'Arco, l'Eclisse) sont toujours éditées, ou rééditées, par les maisons qui en détiennent les droits, en accord avec les héritiers des designers. Ce sont des originaux, et il faut les respecter comme tels.

Notre travail est ailleurs. Nous ne copions aucun modèle signé : nous héritons d'une grammaire. La pureté géométrique du Bauhaus, la douceur sans éblouissement du Danemark, le dôme opalin de l'Italie, la chaleur ambrée des seventies : ces idées appartiennent à tout le monde. Nos luminaires s'en inspirent, dans leur esprit, pour éclairer les intérieurs d'aujourd'hui. C'est cette nuance, entre réédition et réinterprétation, que nous détaillons dans réédition vs original : ce qui fait une bonne réinterprétation, et que résume aussi toute notre collection.

Questions fréquentes