Histoire du luminaire design : un siècle de lumière, du Bauhaus aux seventies

Pendant presque toute l'histoire humaine, éclairer a voulu dire entretenir une flamme. Une mèche, un peu d'huile, plus tard le gaz : la lumière était rare, fragile, et l'on ne se demandait pas de quoi elle avait l'air. On se demandait seulement si elle durerait jusqu'au matin.

Puis, à la fin du XIXᵉ siècle, l'ampoule électrique a tout changé. La lumière est devenue sûre, stable, abondante. Et la question s'est déplacée : non plus comment faire de la lumière, mais quelle forme lui donner. C'est là, précisément, que commence l'histoire du luminaire design : celle où la lampe devient un objet pensé, dessiné, signé. En un siècle, du Bauhaus aux seventies, quelques ateliers ont inventé la grammaire dont toutes nos lampes héritent encore.

Avant le design : de la flamme à l'ampoule

Tout bascule à la fin du XIXᵉ siècle, quand l'ampoule à incandescence rend la lumière électrique domestique. Elle est propre, elle ne vacille plus, elle attend qu'on l'allume. Pour la première fois, on peut placer une source lumineuse n'importe où, et donc lui inventer une forme. Le luminaire moderne, comme objet de design, allait naître de cette liberté toute neuve. Le mur en a profité le premier : c'est toute l'histoire de l'applique murale.

Le Bauhaus : la lampe devient géométrie

C'est cet héritage graphique que prolonge, dans notre collection, la suspension Strata : une géométrie franche qui assume la ligne droite et laisse la lumière se dessiner. Pour comprendre l'école qui a tout déclenché, lisez notre Bauhaus expliqué : quand la lampe devient géométrie.

Le Danemark : une lumière qu'on ne voit jamais de face

Pendant que l'Allemagne cherchait la forme juste, le Danemark cherchait la lumière juste. Dans un pays où l'hiver dure et où le soir tombe tôt, la question n'est pas décorative : comment éclairer sans jamais agresser l'œil ?

Cette école de la douceur ne s'est jamais éteinte. La génération suivante, avec le Flowerpot de Verner Panton en 1968, y ajoutera la couleur. C'est le même esprit feutré que sculpte notre suspension Tivoli, dont les étages de métal laqué dirigent le faisceau vers la table sans jamais blesser le regard. À suivre dans notre article sur la suspension style scandinave, leçon danoise des années 60. Deux écoles, deux méthodes inverses : nous les avons mises face à face dans Bauhaus vs scandinave : deux réponses au même problème de lumière.

L'Italie : la lumière devient sculpture

Dans l'Italie de l'après-guerre, le luminaire prend une troisième direction : il devient un objet à regarder, éteint autant qu'allumé. Là où le Bauhaus visait la fonction et le Danemark la douceur, l'Italie vise le geste, l'esprit, parfois l'humour.

Les maisons qui l'incarnent sont devenues des noms de légende. Gino Sarfatti fonde Arteluce dès 1939 et signe des pièces d'une audace inouïe, comme son lustre 2097, où le seul ornement est le câblage lui-même. En 1962, Flos voit le jour, et avec elle les frères Achille et Pier Giacomo Castiglioni : la même année, ils dessinent l'Arco, ce lampadaire arqué né de l'observation d'un réverbère, et la Taccia, une lampe à poser née de l'idée d'un plafonnier retourné. Chez Artemide, fondée en 1960, Vico Magistretti imagine l'Eclisse (1965, Compasso d'Oro 1967), dont la coque intérieure tourne pour « éclipser » la lumière.

Cette veine italienne, où le verre soufflé de Murano rencontre le dessin moderne, court dans tout notre travail. On la raconte en détail dans le design italien d'après-guerre et dans la petite histoire du dôme opalin.

Les seventies : le retour de la chaleur

Ce n'est pas un hasard si cette décennie reste la plus chaleureuse de toutes : c'est le moment où la lampe cesse d'éclairer une pièce pour créer une ambiance. Une lumière dorée, basse, enveloppante : exactement celle que recherchent aujourd'hui nos lampes Caldera et Aurora, avec leur verre ambré et leur faible hauteur de lumière. On y consacre tout un article : les seventies, le retour de la lumière ambrée.

Une belle lampe n'éclaire pas une pièce : elle la réunit.

Un héritage, pas une copie

Ces pièces mythiques (la PH5, l'Arco, l'Eclisse) sont toujours éditées, ou rééditées, par les maisons qui en détiennent les droits, en accord avec les héritiers des designers. Ce sont des originaux, et il faut les respecter comme tels.

Notre travail est ailleurs. Nous ne copions aucun modèle signé : nous héritons d'une grammaire. La pureté géométrique du Bauhaus, la douceur sans éblouissement du Danemark, le dôme opalin de l'Italie, la chaleur ambrée des seventies : ces idées appartiennent à tout le monde. Nos luminaires s'en inspirent, dans leur esprit, pour éclairer les intérieurs d'aujourd'hui. C'est cette nuance, entre réédition et réinterprétation, que nous détaillons dans réédition, réplique ou original : ce que vaut vraiment un luminaire vintage, et que résume aussi toute notre collection.

Ce nom qu'on donne aujourd'hui à cette grammaire commune, « mid-century », n'est arrivé que bien après les objets qu'il désigne : nous racontons d'où il vient, et pourquoi ces lampes tiennent encore, dans pourquoi le mid-century éclaire encore nos intérieurs.

Cette réinterprétation, nous l'avons racontée de l'intérieur : ce qu'on emprunte aux icônes, ce qu'on refuse de leur prendre, et ce qu'on ajoute de nous, dans comment on réinterprète une icône du design.

Pour refermer ce dossier : la lumière a une histoire, sur ce que change le fait de savoir d'où vient la lampe qu'on allume.

Questions fréquentes

Quelle est l'histoire des luminaires ?

Elle bascule à la fin du XIXᵉ siècle. Tant que la lumière venait d'une flamme, la lampe restait un objet utilitaire. L'ampoule électrique l'a libérée : dès les années 1920, le Bauhaus, puis le Danemark et l'Italie, en ont fait un objet de design à part entière. Le luminaire moderne a un peu plus d'un siècle.

Qui sont les grands designers de lampes ?

Quelques noms reviennent sans cesse : Wilhelm Wagenfeld (la lampe Bauhaus, 1923-1924), Poul Henningsen (la PH5, 1958), Gino Sarfatti (Arteluce), les frères Castiglioni (Arco et Taccia, 1962), Vico Magistretti (Eclisse) ou Gae Aulenti (Pipistrello, 1965). On leur consacre notre galerie les pères du luminaire moderne.

Quelle est la différence entre une réédition et une réinterprétation ?

Une réédition est la reproduction officielle d'un modèle signé, par la maison qui en détient les droits, avec l'accord des héritiers du designer. Une réinterprétation ne copie aucun modèle : elle s'inspire d'un style, d'une époque, d'une matière. Nos pièces sont des réinterprétations, inspirées de cet héritage, jamais des rééditions d'un original.